Enormous room. Tomates, un cuchillo, público. Ofelia. Su corazón es un reloj. She knows that. En mi cabeza las cosas dan vueltas confundidas. Ella confunde sus temores con sus deseos, confunde lo que sucede con lo que sueña. Ella piensa que su cuerpo es esto. Nos hemos alegrado mucho por tus cambios has vuelto a ser la de antes: joven, deportista, sensible, esperamos ansiosos de que vuelvas a cantar. Tienes hermosa voz, eres hermosa por completo. Tu madre debe estar orgullosa de ti. ¿No recuerdas como te obligaba a comer? El plato lleno, horas, tu, sola, de niña, la comida fría. ¿Porqué eres tan mala con ella? Está bien. No te forzaré. No tengo dominio sobre ti. Ninguno. Nunca me has hecho caso. Nunca. Siempre haces lo que te da la gana. Una sola cosa. Una sola. ¿Me oyes? Me gusta que le gustes pero no dejes que te toque, háblale se coqueta pero no lo metas en tu cama. ¿Quieres ser feliz? Un consejo… cierra las piernas hasta el matrimonio, ciérralas. Supongo que ese es el destino de los padres y las hijas disentir sobre el tipo de felicidad a la que se postula. Quiero que seas feliz, hemos puesto lo mejor para ti sobre tu mesa. Las que el quiso ponerme y ella no quiso recibir. Tengo hambre. Comer es como ser envenenada, es romperme, es hincharme, es picarme, pelarme, separarme, es convertirme en alguien como ustedes. Mujer, ella, femenino, terminó la universidad, se casó, les dio nietos. Cojo el cuchillo y les apunto. Destrozo el campo de batalla que era mi hogar. Desde hoy muda. Lo que mataste también habrás de amar. Ofelia no hace caso y avanza. Ve la golpiza que el público intuye. Huye. Mi drama no tuvo lugar. Se perdió el texto. Me voy a casa a matar el tiempo. Unida y con mi yo no dividido.
Me tiré al piso y escuché que el mundo giraba al compás de su putrefacción. Yo mirando a través de las puertas del cristal blindado la masa que se agolpa, huelo el sudor de mi miedo. Desentierro de mi pecho el reloj que fue mi corazón. Salgo a la calle vestida con mi sangre. Rompo las herramientas de mi cárcel la silla la mesa la cama. Qué pasa viejo. Quieres que me contagie con toda la enfermedad de esta casa. Quieren abrir mis piernas y mi boca, cierro ambas. Desde ahora muda. Prefiero el Agua. La deliciosa Ofelia que entra cuando se le da el pie.
Qué joven no es hoy insolente con sus antepasados. ¿Hay alguien acaso que respete la memoria de su nombre? Ofelia quizás que solo habla de sus padres.
"There is a revolution, it is a human and technological revolution. Its motions and emotion. Its information. Its visual, its musical, its sensorial, its conceptual, its universal. Its beyond words and numbers. Its happening.
The natural progression of science and art finding each other to better touch and define the human experience. There is a revolution in the way that we think, in the way that we share, in the way we express our stories. Our evolution. this is a time of communication, connection and creative collaboration.
We are not here to question de possible, we are here to challenge de impossible. In the science of today we become artists. In the art of today we become scientists. We design our world, we invent possibilities, we teach, touch and move. It is know that we can use the diversity of our talent to create intelligent, meaningful and extraordinary work." -Natasha Tsakos
En el teatro son varios los componentes presentes para llevar a cabo un espectáculo; el autor o creador, el texto escrito o los códigos complementarios, el actor-personaje, la acción, el lugar o espacio en donde se sitúa la acción y el público. Manuel Sito Alba afirma que es mediante el espacio donde se verifica la representación y donde se inscriben los movimientos de un cuerpo determinado para construir el significante. Ante esto podríamos decir, que es el lugar donde se lleva a cabo la acción, la clave del sentido de la obra. El autor le dedica un capítulo completo al “lugar” en su libro “Análisis de la semiótica teatral” en el cual hace alusión a varios puntos importantes de los cuales utilizaré algunos para analizar “Sin título; técnica mixta”, obra dirigida por Miguel Rubio y representada por el grupo Yuyachkani.
En esta obra el espacio no es solo un componente más sino mas bien el eslabón principal. Junto a la presencia de los cuerpos, el espacio se convierte en el elemento esencial de la presentación, en donde todos los ahí presente adquieren un signo y un significado impactante. El mismo espectador desde el momento en que entra a la sala adquiere cierta importancia y pasa de ser espectador a ser partícipe de lo que está pasando o está apunto de suceder. El darse cuenta al ingresar a la sala que no hay donde sentarse, es desconcertante, uno intenta encontrar un lugar específico y no lo hay. Desde ese momento comenzamos a ser parte de aquellas sensaciones que el montaje plantea. La incertidumbre y la inseguridad de no saber qué es lo que va suceder, si de pronto eso es todo o hay más, el no saber que tendremos que movernos para darle permiso a otro espectador o quizás también a un actor, nos mantiene presentes y en un rol activo.
Alba menciona que la distancia tiene un valor significativo y en esta obra se demuestra. Si bien cada actor dispone de un lugar propio al comenzar la obra, luego esto cambiará; al mismo tiempo, el acercamiento que uno como espectador puede tener con todo lo que está presente en la sala, le brinda una cierta confidencia. Los objetos pasan de ser utilerías a ser testimonios e información que están ahí con el fin de activar la memoria y de hacer al espectador moverse, caminar, elegir qué mirar, qué leer y en dónde instalarse.
Las obras generalmente se desarrollan en un lugar que simboliza un sitio no presente que a su vez pertenece a la acción dramática. En Sin Título, se valora el espacio como el desván de un museo, como un depósito de un archivo de la nación donde se encuentra la información amontonada. Se ven trajes, vitrinas con documentos antiguos, libros, documentos históricos, fotografías, carpetas escolares, banderas, uniformes y cajas. Se convierte en un lugar en donde la evidencia está presente y uno puede acercarse a ella comprometiéndote no solo como espectador, sino como testigo. Se pone frente a uno, todo aquello que se dice y no se dice, que sucede, que se ve, se oye y hasta se huele. El cuerpo de los actores es parte de la documentación. En este caso, como Alba lo menciona, el lugar tiene una funcionalidad esencial y es: hacernos partícipes del momento, hacernos testigos de la historia.
Evidentemente no existe una cuarta pared, no hay un frente desde donde se observa la acción, esta puede partir de cualquier lado y a veces en simultaneidad hasta el punto que el público decide cual mirar, en cual participar. Hay unas tarimas móviles en donde algunas acciones se llevan a cabo en lo alto y circulan por todo el espacio con el fin de que los espectadores puedan verlas. El tener todo sucediendo a tu alrededor, por detrás, a un lado y al otro, juega con los sentidos, con la mente y deja sensaciones de aturdimiento, encierro, impotencia y muchas otras relacionadas a lo que se presenta. El público, o mejor dicho los testigos, son parte del espectáculo, no hay una diferenciación entre los componentes personajes-público.
El modo de utilizar el espacio es lo más impactante de la obra, se utilizan todos los rincones, todos los espacios, todas las formas. De tener a los actores alrededor, pasan a estar al medio, a los lados, en fila, caminando por el espacio, en un rincón cambiándose, debajo de otro personaje y arriba. Cada lugar, más que presentar las personalidades de los personajes, reflejan sus situaciones anímicas y sus jerarquías frente a otros. Alba llama esto “códigos espaciales” lo cual se utiliza no solo con el espacio en Sin Título sino también con la diversidad de lenguajes que utilizan. Se utilizan diferentes lenguajes visuales, sonoros, corporales, literarios, preformativos y aún más que despiertan los sentidos. Los olores, los ruidos, los diversos matices de colores en cada parte de la obra, son elementos complementarios que se suman a la construcción de la obra. A la vez, son los mismos actores junto al uso de la música, los elementos que utilizan y los códigos presentes, que te transportan a diversos lugares. Si bien el depósito de un museo comienza a vivir y a movilizarse, son varias las imágenes de lugares que a uno como espectador se le pasan por la mente; desde un aula escolar hasta un tribunal.
Otro elemento importante es la movilidad. El movimiento de las estructuras, como Alba lo menciona en su libro, sirven de complemento al actor-personaje ya que se utiliza no solo para que el público lo vea sino para llamar la mirada con rapidez de un lado al otro. El cambio de vestuarios, o el sacar de dentro a fuera algún indumento, permiten al espectador estar atento de todo lo que sucede a su alrededor y con rapidez a la vez que transmitirle al público ciertos sentimientos y sensaciones; angustia, urgencia, violencia.
Esta obra se sale por completo de los límites de estructuras dramáticas convencionales. El texto no lo es todo, sino por el contrario, parte del todo. No hay algo que se pueda llamar “argumento”, más bien es un conjunto de materiales diversos que aparecen de manera visual y corporal, formas y sensaciones diferentes que habitan en un espacio común. Se rompe la estructura dramática convencional de exposición, nudo y desenlace. Es decir, no se cuenta una historia sino mas bien se utiliza la historia del Perú y especialmente dos momentos claves de esta; la guerra del Pacífico que involucró en 1879 a Bolivia, Chile y Perú y de los graves hechos de violencia ocurridos entre los años 1980-2000. Se interviene en la sociedad con el teatro trabajando con documentos de la CVR que recupera historias y testimonios de personas que fueron testigos de actos de violencia cometidos por las organizaciones subversivas como por el estado peruano con el fin de mostrar que el estado peruano no ha cambiado y que el abismo que existe entre su población se mantiene.
La guerra con chile sigue siendo una herida latente entre los peruanos. Existe en las intenciones de los creadores de Sin título; técnica mixta una necesidad de “decir algo”. Se puede afirmar que hay una memoria acumulada que genera, en términos artísticos, una acumulación sensible; es decir, un trabajo de investigación que hace que los actores a partir de sus entrenamientos e improvisaciones guarden aquello que luego pondrán en conjunto. Se podría decir que no hay una historia, no hay personajes ni una estructura dramática y que los actores son, no representan sino más bien presentan y está presente. La presencia está, en este montaje, antes que el personaje.
"Nuestro teatro puramente verbal ignora todo cuanto es teatro, todo vcuanto existe en el aire de la escena, todo cuanto ese aire mide y circunscribe, y tiene densidad en el espacio: movimientos, formas, colores, vibraciones, actitudes; gritos; nuestro teatro, en todo lo inconmensurable y que depende del poder de sugestión del espíritu". -Antonin Artaud
Volteo un cigarro mientras pido un deseo, no acepto la sal de mano a mano y mucho menos la derramo. Prefiero darme la vuelta antes que pasar debajo de una escalera y casi siempre toco madera. Los gatos negros me asustan, los martes trece no me gustan. La caca de pájaro en el carro y la picasón de mano son plata. Absolutamente todos los mitos me encantan. Me habré leido las manos un par de veces y las cartas como veinte y creo, sí creo.
De repente porque de chica me pasaron el huevo o porque teníamos que separar la mesa en dos cuando eramos trece o simplemente por la necesidad de protegerme. Derrepente por mi personalidad emotiva, interpersonal; cero racional y científica o por la valoración excesiva que le doy a muchas cosas.
Me resulta divertido creer en cosas mágicas; en el encanto, los hechizos, la fascinación, la seducción, lo atractivo, la brujería, el ecantamiento, el ilusionismo, la atracción. Es como salir por un momento de lo tangible y lo real, no pensar sino sentir, romper con las explicaciones lógicas para fluir.
Se dice que la superstición y los mitos surgen de situaciones inexplicables, que son respuestas a cosas que no las tienen, que es sinónimo de ignorancia; estoy de acuerdo. En mi caso justifican casos que no puedo controlar, me da respuestas que yo no encuentro; prefiero pensar en mala suerte antes de saber que me equivoqué, pensar en suerte cuando consigo algo, en destino cuando me da miedo el futuro, en seducción y atracción para no pensar tanto.
Una de las razones por la que los mitos me fascinan es porque vienen a ser relatos imaginarios protagonizados más que nada por personajes sobrenaturales, extraordinarios que de extraordinarios no tienen nada ya que al final la interpretación que se le da es lo más humana que hay. Reflejan necesidades puramente humanas. Mi capacidad de imaginar y alucinar se ven desahogadas en los mitos, pongo en figuras e historias lo que estoy pensando, estoy queriendo y hasta veces viviendo. Soy experta encontrando superheroes, dioses y monstruos en las personas que me rodean, aterrizarlos a tierra y jugar con esa idea.
En busca de mitos encontré millones relacionados a las pelirrojas. Mitos de personajes pelirrojos como Lilith, la primera mujer de Adán, como también mitos sobre las personas con pelo pelirrojo. Se decía en el siglo 16 que la grasa de una pelirroja era un ingrediente escencial para el veneno. Que los egipcios las concideraban tan “desgraciadas” que quemaban doncellas pelirrojas vivas durante sus ceremonias para limpiarse de la "mala suerte". Que el pelo rojo es sinónimo de carácter, que afecta el temperamento de una persona de tal manera que ha sido utilizado por un Juez Irlandés en el 2001 para justificar un crimen cometido por un pelirrojo. Que no son personas confiables y Judas es un ejemplo de esto ¿qué tendrá que ver? Que las abejas las persiguen más que a otras personas (totalmente cierto). En Córcega, si pasa una pelirroja inmediatamente se debe escupir y voltearse; en Polonia si se cruzan con tres, se ganan la lotería; En Rusia es sinónimo de locura; en Dinamarca es un honor y en la mitología griega, los pelirrojos se convierten en vampiros luego de morir.
Se dice que son más sensibles y por ende necesitan más anestesia para soportar el dolor, que son más apasionadas, más brujas, más locas…¡Mierda! ¿Debo dejar de mirarme en el espejo o pintarme el pelo?
Fechas: Del 19 al 28 de Junio Viernes y Sábados: 8:00 PM /Domingos: 7:00 PM Lugar: Teatro Mocha Graña, Saenz Peña 107 Barranco Entrada General: S/. 10.00 Preventa: 9926-52622
